La muerte de la Virgen
Autor: Miguel Ángel Caravaggio.
Fecha: 1605-1606.
Técnica: Óleo sobre lienzo.
Dimensiones: 3,65 m X 2,45 m
Localización: Museo Louvre.
Estilo: Barroco italiano.
TEMA
Religioso.
La Virgen, madre de Cristo acaba de morir. Los apóstoles y María Magdalena
la acompañan y sufren.
Descripción: La Virgen en su lecho de muerte , un catre, aparece con una
vestimenta roja, los pies descalzos, el pelo alborotado, sus manos inertes, el
cuerpo hinchado y una finísima aureola divina sobre su cabeza. Junto a ella
encontramos a María Magdalena, que desconsolada apoya su cabeza sobre las
rodillas. A su lado vemos un cuenco metálico (palangana) con el que limpió el
cuerpo de María. Los apóstoles descalzos, muestran diferentes actitudes frente
a esa muerte, San Juan erguido reflexiona, otros sollozan, secan sus lágrimas u
ocultan sus ojos, como muestra de dolor.
Toda la escena se desarrolla en una estancia austera, oscura, de cuyo techo
cae un denso telón roj
LEMENTOS FORMALES
Ø COMPOSICIÓN.
Diagonal. Organizada a partir del rostro de la Virgen.
Los elementos que la crean son:
- Rayo de luz. Surge
desde una ventana situada en la parte superior izquierda y llega hasta el
rostro de María.
- Los apóstoles dispuestos
en escala.
- El cortinaje.
Ø COLOR
Colores saturados.
Predominio del rojo (muerte, pasión-dolor-), cálidos en María Magdalena,
ropajes de apóstoles. Se quiere resaltar el sentimiento. (Color por encima de
la línea).Pero también vemos el verde color complementario del rojo. Caravaggio
quiere reforzar el contraste de actitudes: Rojos y cálidos (sufrimiento, dolor)
frente al verde de San Juan (actitud de reflexión).
Ø LUZ
Aspecto esencial.
Utiliza el claroscuro muy acentuado, dando lugar al tenebrismo. Ilumina
bruscamente aquello que desea mostrar, sumiendo en oscuridad el resto de la
escena. Aquí surge, como ya se ha dicho, desde la izquierda, desde una parte
superior cayendo sobre María y Magdalena.
Elemento que moldea dando volumen y da profundidad a la
escena, oscureciendo el fondo de la escena e iluminando los primeros planos.
Ø Luz y color se concentran para
destacar el dramatismo del momento, el dolor de la escena. A ello colabora el
naturalismo que provoca un mayor efecto sobre el espectador. No resalta una
mujer idealizada como suele representar la iglesia en las imágenes sino una
mujer ahogada en el Tíber, hinchada, descalza….. Es una escena cotidiana.
Realismo mostrado también en el anacronismo de los ropajes de María y Mª
Magdalena o el cuenco representado como una naturaleza muerta. Y pos supuesto
la teatralidad propia de barroco en la presencia del telón que descubre una
escena realmente dramática.
SIGNIFICADO
Abandona la belleza
ideal, la idealización de los personajes, para acercar al espectador un
sentimiento profundamente religioso en el que el sufrimiento domina, como pedía
la iglesia tras la Contrarreforma. Sin embargo,Caravaggio, mediante
una obra directa, trata de ir más allá, quiere plasmar la verdadera realidad
.Quiere, con su naturalismo y su manejo de la luz y el color, hacer sentir al
ser humano del momento la verdaderamente la religión, una religión
verídica, real. Aunque es de destacar también que no elimina
totalmente el carácter sagrado de la escena, como atestigua la
finísima aureola que vemos sobre la cabeza de María.
Fue rechazada por irreverente, por escoger como modelo una mujer ahogada en
el Tíber o una prostituta; pero sobre todo, por
ser demasiado directa .
Su pintura influirá no sólo en la Italia de su tiempo sino también en otros
autores como Velázquez o Rembrandt.
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